Manche nennen es den Moment, in dem das Kino seine Seele an den Computer verkaufte. Als Alice In Wonderland 2010 Film in die Kinos kam, feierten die Verantwortlichen bei Disney ein finanzielles Erdbeben. Über eine Milliarde Dollar spülte das Werk weltweit in die Kassen. Die Massen strömten in die Säle, angelockt von der Aussicht auf eine psychedelische 3D-Reise, die nur das Gespann aus Tim Burton und Johnny Depp zu liefern schien. Doch wer heute mit ein wenig Distanz auf dieses Ereignis blickt, erkennt eine bittere Ironie. Dieses Werk war kein mutiges Experiment der Fantasie. Es war das exakte Gegenteil. Es markierte den Beginn einer Ära, in der Hollywood aufhörte, Geschichten zu erzählen, und stattdessen anfing, Marken zu verwalten. Das Publikum glaubte, eine Rückkehr zum Surrealismus zu erleben, dabei sah es in Wahrheit dem Tod der Subversivität zu.
Die landläufige Meinung hält diese Produktion für eine visuelle Offenbarung. Man spricht oft davon, wie die Ästhetik den Geist von Lewis Carroll eingefangen habe. Ich behaupte dagegen: Dieses Werk hat Carrolls Erbe nicht geehrt, sondern es methodisch demontiert. Wo Carroll das Chaos und die vollkommene Sinnlosigkeit feierte, zwängte die Adaption die Erzählung in das korsettartige Schema einer konventionellen „Auserwählten-Geschichte“. Die junge Frau, die im Original durch eine Welt stolpert, die sich jeder Logik entzieht, wurde hier zu einer Kriegerin in glänzender Rüstung umfunktioniert, die einen Drachen erschlagen muss. Das ist kein Surrealismus. Das ist Malen nach Zahlen für ein Blockbuster-Publikum, das sich vor echter Ambivalenz fürchtet.
Der Verrat an der literarischen Absurdität
Wenn man die literarische Vorlage analysiert, findet man ein Werk vor, das sich gegen jede Form von Struktur wehrt. Die Protagonistin ist eine Beobachterin in einer Welt, die keine Moral kennt und keinen Plot verfolgt. In der filmischen Umsetzung aus dem Jahr zweitausendzehn wurde aus diesem anarchischen Albtraum jedoch eine heroische Reise im Sinne von Joseph Campbell. Man gab der Welt einen Namen, Unterland, und erfand eine politische Historie mit Prophezeiungen und rechtmäßigen Thronfolgen. Das nimmt dem Wunderland genau das, was es ausmacht: die vollkommene Willkür. Sobald das Chaos eine Begründung bekommt, hört es auf, Chaos zu sein. Es wird zu einem simplen Fantasy-Setting, das man so oder so ähnlich schon tausendmal gesehen hat.
Dieser Drang zur Rationalisierung ist ein Symptom einer Industrie, die kein Risiko mehr eingeht. Man traute dem Zuschauer nicht zu, ein Mädchen zu begleiten, das einfach nur Fragen stellt. Sie musste zur Retterin stilisiert werden. Damit verlor die Figur jede psychologische Tiefe. Sie wurde zu einer Funktion im Getriebe einer Marketingmaschine. Wer Carroll liest, spürt die Unbehaglichkeit des Erwachsenwerdens. Wer die Verfilmung sieht, schaut einem Videospiel-Charakter dabei zu, wie er das nächste Level erreicht. Es ist eine sterile Form der Unterhaltung, die vorgibt, wild zu sein, aber in Wirklichkeit extrem brav ist.
Warum Alice In Wonderland 2010 Film die Kinolandschaft dauerhaft beschädigte
Es ist kein Zufall, dass wir nach diesem Erfolg von einer Welle an lieblosen Realverfilmungen alter Zeichentrickklassiker überrollt wurden. Der Erfolg dieses speziellen Projekts lieferte den Beweis, dass der Name einer bekannten Marke und ein bekannter Regisseur ausreichen, um Qualität nebensächlich zu machen. Die Industrie lernte die falsche Lektion. Sie lernte, dass man Originalität durch Sättigung ersetzen kann. Der visuelle Stil, der einst Burtons Markenzeichen war, wurde hier zur bloßen Dienstleistung. Alles wirkte künstlich, überladen mit Spezialeffekten, die schon wenige Jahre später veraltet aussahen. Der Greenscreen ersetzte die greifbare Welt, und damit verschwand auch jede echte Magie.
Man kann argumentieren, dass die visuelle Opulenz genau das war, was die Leute wollten. Kritiker führen oft an, dass die Kostüme und das Szenenbild für Oscars nominiert und prämiert wurden. Das stimmt faktisch. Aber ein schönes Kostüm rettet keine hohle Erzählung. Wenn man die Oberflächenpracht abzieht, bleibt ein Skelett übrig, das so generisch ist, dass es wehtut. Es ist der Prototyp des „Content“, den wir heute auf Streaming-Plattformen finden: hübsch anzusehen, aber ohne Substanz, geschaffen, um Algorithmen zu füttern, nicht um Herzen zu bewegen. Diese Entwicklung begann genau hier, an diesem Punkt der Kinogeschichte.
Die Illusion der schöpferischen Freiheit
Oft wird behauptet, Tim Burton hätte hier seine Vision verwirklicht. Doch wenn man genauer hinsieht, erkennt man die Handschrift des Studios viel deutlicher als die des Regisseurs. Es gibt eine klinische Reinheit in der Düsternis, die nichts mit den handgemachten, liebevoll-schrägen Welten von Filmen wie Beetlejuice zu tun hat. Es ist eine kommerzialisierte Form der Melancholie. Man nimmt die Ästhetik des Outsiders und macht sie massentauglich. Das ist der ultimative Sieg des Marketings über die Kunst. Der Outsider ist jetzt der Mainstream, aber ohne die Ecken und Kanten, die ihn ursprünglich interessant machten.
Ich erinnere mich an Gespräche mit Branchenkennern, die damals bereits warnten, dass die Abhängigkeit von CGI-Welten das Handwerk des Schauspielens verändern würde. Johnny Depp agierte hier fast ausschließlich vor grünen Wänden. Seine Darstellung des Hutmachers ist kein Schauspiel mehr, es ist eine Ansammlung von Ticks und computergenerierten Augenvergrößerungen. Die Menschlichkeit geht in den Pixeln verloren. Wenn alles möglich ist, wird nichts mehr bedeutsam. Das ist das Paradoxon der modernen Tricktechnik, das in diesem Werk seinen ersten großen, fragwürdigen Höhepunkt fand.
Die Verfilmung beansprucht für sich, eine Fortsetzung der ursprünglichen Geschichte zu sein, eine Reflexion über das Älterwerden und die Rückkehr zur kindlichen Neugier. Doch sie scheitert an dieser Prämisse, weil sie die Neugier durch Pflichtgefühl ersetzt. Die Heldin kehrt nicht zurück, um sich selbst zu finden, sondern um eine militärische Aufgabe zu erfüllen. Das ist eine zutiefst konservative, fast schon reaktionäre Lesart eines Stoffes, der eigentlich für die Befreiung des Geistes steht. Man hat den Traum in eine Marschordnung verwandelt.
Skeptiker werden nun einwerfen, dass man einem Unterhaltungsfilm nicht so viel politische oder philosophische Bedeutung beimessen sollte. Schließlich habe er Millionen von Kindern glücklich gemacht. Das ist ein schwaches Argument. Kinder verdienen Geschichten, die sie herausfordern, nicht solche, die sie mit visuellem Zucker füttern, während sie ihnen die gleichen alten Klischees vom Kampf zwischen Gut und Böse vorkauen. Das Wunderland war ein Ort, an dem Gut und Böse keine Kategorien waren. Es gab nur Sinn und Unsinn. Dass Alice In Wonderland 2010 Film daraus ein Schlachtfeld machte, zeigt nur die begrenzte Vorstellungskraft derer, die ihn produzierten.
Wir müssen aufhören, kommerziellen Erfolg mit kultureller Relevanz zu verwechseln. Nur weil ein Film Rekorde bricht, bedeutet das nicht, dass er einen positiven Einfluss auf das Genre hatte. Im Gegenteil: Oft sind es die massiv erfolgreichen Fehlgriffe, die den größten Schaden anrichten, weil sie als Blaupause für die Zukunft dienen. Die Kinolandschaft, in der wir heute leben – geprägt von Remakes, Prequels und Sequels ohne Ende –, wurde auf dem Fundament dieses Erfolgs errichtet. Es war der Moment, in dem die Industrie feststellte, dass das Publikum bereitwillig für die bloße Erinnerung an eine Geschichte zahlt, auch wenn die neue Version nichts mehr von deren Geist besitzt.
Der wahre Test für ein Kunstwerk ist seine Beständigkeit in der kulturellen Tiefe. Wer spricht heute noch ernsthaft über die inhaltliche Bedeutung dieses Films? Man erinnert sich an die Teeparty, an die Grinsekatze, vielleicht an die rote Königin. Aber man erinnert sich an sie als ikonische Bilder, nicht als Teil einer bewegenden Erzählung. Das Werk ist wie eine prachtvolle Fassade in einem Freizeitpark: Dahinter ist nichts als ein Hohlraum, gestützt von ein paar Stahlträgern und viel Marketing-Budget.
Man muss es klar aussprechen: Die Begeisterung für diese Ästhetik war eine kollektive Verblendung durch die damals neue 3D-Technik. Wir waren so fasziniert von den fliegenden Tassen und den plastischen Landschaften, dass wir übersahen, wie dünn das Drehbuch eigentlich war. Es war ein visuelles Blendwerk, das den Niedergang der narrativen Komplexität im Blockbuster-Kino einläutete. Wir haben die Freiheit des Unsinns gegen die Gefangenschaft der Struktur eingetauscht und es als Fortschritt gefeiert.
Am Ende bleibt die Erkenntnis, dass das Wunderland nicht durch den Drachen Jabberwocky zerstört wurde, sondern durch die Notwendigkeit, ihn überhaupt erst in die Geschichte zu schreiben. Ein Märchen, das sich erklären muss, verliert seinen Zauber, und ein Film, der nur durch seine Technik existiert, verliert seine Daseinsberechtigung, sobald die Technik veraltet ist. Wir blicken heute nicht auf einen Klassiker zurück, sondern auf den teuersten Sargnagel für das originelle Geschichtenerzählen in der Geschichte des modernen Kinos.
Wahre Fantasie braucht keine Prophezeiungen, sie braucht nur den Mut, den Sinn am Eingang abzugeben.
