Der Geruch von altem Papier und feuchtem Beton hing schwer in der Luft, als Mike Mignola zum ersten Mal die Umrisse jenes Wesens skizzierte, das später die Welt der grafischen Literatur verändern sollte. Es war keine feine Arbeit, sondern ein eruptiver Prozess aus Schatten und kantigen Linien. In jener Zeit, in der Superhelden meist in primärfarbenem Spandex die moralische Überlegenheit feierten, suchte dieser Zeichner nach etwas anderem: nach der Schwere von Mythen, dem Schmutz der Folklore und der Einsamkeit eines Monsters, das sich weigert, seine monströse Bestimmung zu erfüllen. Diese visuelle Sprache, die mehr durch das weggepulte Schwarz als durch das gezeichnete Weiß erzählte, legte den Grundstein für eine filmische Vision, die Jahre später unter dem Namen Hellboy -- Call of Darkness das Licht der Welt erblickte. Es war der Versuch, eine Ikone neu zu interpretieren, weg von der barocken Verspieltheit früherer Adaptionen, hin zu einer rohen, blutigen und zutiefst melancholischen Wahrheit, die in den dunkelsten Winkeln der menschlichen – und übernatürlichen – Seele verwurzelt ist.
Die Geschichte dieses roten Halbdämons ist immer auch eine Geschichte über das Erbe. Wir alle tragen Rucksäcke voller Erwartungen, Familientraditionen oder vorgezeichneter Wege mit uns herum, doch für eine Kreatur mit abgefeilten Hörnern und einer steinernen rechten Hand ist dieser Rucksack ein Abgrund. In der Produktion des Films aus dem Jahr 2019, die unter der Regie von Neil Marshall stand, wurde dieser Konflikt auf eine fast physisch schmerzhafte Weise inszeniert. David Harbour, der den Titelhelden verkörperte, verbrachte täglich Stunden in der Maske, um in eine Haut zu schlüpfen, die sich wie eine Last anfühlen sollte. Es ging nicht darum, cool auszusehen. Es ging darum, die Schwere der Verantwortung zu spüren, die das Schicksal einem Wesen auferlegt hat, das eigentlich nur in Ruhe eine Zigarre rauchen und vielleicht ein paar Katzen füttern möchte.
Das Fleisch und der Stein hinter Hellboy -- Call of Darkness
Wenn man die Entstehung dieses speziellen Werks betrachtet, stößt man unweigerlich auf die Zerreißprobe zwischen Vorlage und Leinwand. Die Comics sind still. Sie lassen dem Leser Raum, zwischen den Panels zu atmen, während die Schatten sich ausdehnen. Ein Film hingegen muss lärmen. Er muss die Stille mit Action füllen, mit Effekten, mit einem Rhythmus, der ein Massenpublikum fesselt. In den Studios von Nu Boyana in Bulgarien, wo große Teile der Aufnahmen stattfanden, versuchte das Team, diese Brücke zu schlagen. Man baute riesige Kulissen, die eher an gotische Kathedralen des Grauens erinnerten als an moderne Filmsets. Hier sollte die Wild Jagd stattfinden, jener mythische Ritt durch die englische Landschaft, der direkt aus den Legenden des Mittelalters in die Moderne katapultiert wurde.
Die Herausforderung lag darin, das Groteske nicht lächerlich wirken zu lassen. In einer Szene, in der eine Hexe wie Baba Jaga durch ihr wanderndes Haus kriecht, wird deutlich, wie schmal der Grat zwischen Horror und Absurdität ist. Die Animatronik und das Make-up mussten hier eine Wahrhaftigkeit erzeugen, die digitale Effekte allein oft vermissen lassen. Es ist die Haptik des Ekels, die uns als Zuschauer packt. Wenn wir sehen, wie sich Knochen verbiegen und Fleisch spannt, reagiert unser Körper instinktiv. Das ist kein intellektuelles Vergnügen, sondern eine viszerale Erfahrung, die tief in unseren kollektiven Ängsten vor dem Verfall und dem Unheimlichen wurzelt.
Das Publikum reagierte gespalten, als das Werk schließlich in die Kinos kam. Die Erwartungen waren durch die Vorgängerfilme von Guillermo del Toro geprägt, die eine märchenhafte, fast poetische Qualität besaßen. Doch dieser neue Ansatz wollte hässlicher sein. Er wollte die Zerstörung zeigen, die entsteht, wenn Legenden aufeinanderprallen. In der Filmtheorie spricht man oft vom Uncanny Valley, jener Zone, in der künstliche Wesen uns Unbehagen bereiten, weil sie fast, aber eben nicht ganz menschlich wirken. Hier jedoch wurde dieses Unbehagen bewusst als Werkzeug eingesetzt. Der Protagonist ist kein strahlender Retter; er ist ein Außenseiter, der von den Menschen gefürchtet wird, die er beschützt, und von den Monstern gehasst wird, denen er abgeschworen hat.
Die Architektur des Schreckens und der Mythos der Königin
Im Zentrum der Erzählung steht Nimue, die Blutkönigin, gespielt von Milla Jovovich. Ihre Figur ist eine direkte Verbindung zur Artus-Sage, jener Ur-Erzählung der britischen Identität. Indem der Film diese alten Mythen aufgreift, stellt er die Frage nach der Reinheit der Geschichte. Wer sind die eigentlichen Ungeheuer? Diejenigen, die im Verborgenen leben, oder diejenigen, die ihre Macht durch Unterdrückung und Verrat zementiert haben? Nimue ist keine eindimensionale Schurkin. Sie ist eine Frau, die von der Geschichte verraten wurde, zerstückelt und in Kisten über das ganze Land verteilt – ein Bild für die Unterdrückung von Wissen und Macht, das unbequem modern wirkt.
Die visuelle Gestaltung ihrer Rückkehr ist ein Meisterstück des modernen Gore-Horrors. Es ist eine Ästhetik des Exzesses. Während die literarische Vorlage oft durch Auslassungen glänzt, wählt dieser Film die totale Sichtbarkeit. Jedes Detail der Verwesung und der Rekonstruktion wird ausgeleuchtet. Das mag für manche Zuschauer abschreckend gewirkt haben, doch es spiegelt eine radikale Treue zu den dunkleren Aspekten der Folklore wider. Märchen waren ursprünglich nicht für Kinder gedacht; sie waren Warnungen, blutige Lektionen über die Gefahren des Waldes und der menschlichen Gier.
Man spürt in jeder Einstellung den Kampf der Kreativen, die versuchten, Mignolas minimalistischen Stil in eine maximale visuelle Erfahrung zu übersetzen. Es ist, als würde man versuchen, ein Haiku in eine Heavy-Metal-Oper zu verwandeln. Manchmal bricht der Rhythmus, manchmal übertönt die Musik die Nuancen, aber die Energie bleibt konstant hoch. Diese Energie speist sich aus der Verzweiflung der Figuren. Niemand in diesem Universum ist glücklich. Selbst die Momente des Humors sind trocken, schwarz und oft galgenhumorig. Es ist die Art von Lachen, die man ausstößt, wenn man weiß, dass die Welt morgen untergehen könnte, man aber heute noch eine gute Antwort geben will.
Das Thema der Identität zieht sich wie ein roter Faden durch die gesamte Produktion. In einer Welt, die ihn ständig daran erinnert, dass er eigentlich der Bote der Apokalypse ist, muss der Held entscheiden, wer er sein will. Diese Entscheidung wird nicht durch große Reden getroffen, sondern durch Taten – oft gewalttätige, schmutzige Taten. Es ist die Verweigerung der eigenen Natur, die ihn menschlicher macht als viele der Menschen um ihn herum. In der psychologischen Forschung wird dies oft als Selbstwirksamkeit bezeichnet: die Überzeugung, dass man trotz widriger Umstände und genetischer oder sozialer Vorbelastungen sein Schicksal selbst in die Hand nehmen kann.
Es gibt einen Moment im Film, in dem der Protagonist vor einem Spiegel steht und seine Hörner betrachtet, die er immer wieder abschleift. Es ist eine Sisyphusarbeit. Die Hörner wachsen nach, genau wie die Zweifel. Dieser Akt des Abschleifens ist ein Symbol für die Zivilisation selbst. Wir alle unterdrücken unsere inneren Impulse, unsere Wut oder unsere dunklen Seiten, um Teil einer Gemeinschaft zu sein. Bei ihm ist dieser Prozess lediglich sichtbar gemacht. Die rote Haut ist kein Kostüm; sie ist eine permanente Erinnerung an seine Andersartigkeit.
Die Zusammenarbeit zwischen den verschiedenen Abteilungen – vom Kostümdesign bis zu den Stunt-Koordinatoren – war darauf ausgerichtet, eine Welt zu erschaffen, die sich bewohnt anfühlt. Nichts sollte neu oder sauber aussehen. Die Waffen haben Kerben, die Kleidung ist zerrissen und staubig. Diese Liebe zum Detail erzeugt eine Immersion, die über das reine Schauen hinausgeht. Man kann den Staub fast schmecken, der aufgewirbelt wird, wenn Riesen durch die englische Heide stapfen. Es ist eine physische Form des Geschichtenerzählens, die in einer Ära von glattgebügelten Blockbustern fast schon anachronistisch wirkt.
Die Resonanz von Hellboy -- Call of Darkness in der Popkultur
Rückblickend betrachtet, steht das Werk als ein interessantes Experiment in der Landschaft der Comic-Verfilmungen. Es versuchte nicht, dem Marvel-Modell der vernetzten Universen und der familienfreundlichen Unterhaltung zu folgen. Stattdessen war es eine Rückkehr zu den Wurzeln des Genre-Kinos der 80er Jahre – mutig, laut und kompromisslos. In Deutschland, einem Land mit einer tiefen Tradition in der Romantik und dem Schauerroman, fand diese Ästhetik einen ganz besonderen Nachhall. Die dunklen Wälder und die alten Legenden sind Teil der kulturellen DNA, und die Art und Weise, wie hier mit Folklore umgegangen wird, erinnert an die Gebrüder Grimm in ihrer ursprünglichen, ungeschönten Form.
Kritiker bemängelten oft die erzählerische Dichte. Der Film versucht, sehr viele Handlungsstränge aus den Comics zu verweben, was zu einem rasanten, manchmal atemlosen Tempo führt. Doch genau diese Überladung spiegelt das Chaos der Welt wider, in der die Figuren agieren. Es gibt keine einfachen Lösungen, keine klaren Fronten. Freunde werden zu Feinden, und die Prophezeiungen sind so vage, dass sie eher wie Flüche wirken. Die Unsicherheit ist das einzige Beständige.
Die finanzielle Performance an den Kinokassen entsprach vielleicht nicht den gigantischen Erwartungen der Studios, aber in den Jahren seit der Veröffentlichung hat sich eine treue Fangemeinde gebildet. Es sind jene Zuschauer, die das Unperfekte schätzen, die die Ecken und Kanten eines Films lieben, der sich traut, hässlich zu sein. Es ist ein Kultklassiker in der Entstehung, ein Werk, das man sich immer wieder ansieht, um neue Details in der Maskenarbeit oder in den hintergründigen Anspielungen auf die Mythologie zu entdecken.
Ein wesentlicher Aspekt dieser anhaltenden Faszination ist die Darstellung des Okkulten. In der modernen Welt, die scheinbar alles mit Algorithmen und Daten erklären kann, bleibt die Sehnsucht nach dem Unerklärlichen bestehen. Das Übernatürliche dient hier als Metapher für alles, was wir nicht kontrollieren können. Die Institutionen im Film, wie das Bureau for Paranormal Research and Defense, versuchen, das Chaos zu verwalten, aber sie scheitern letztlich an der schieren Urgewalt der alten Mächte. Das ist eine tief sitzende menschliche Erfahrung: Das Gefühl, dass trotz aller Technik und Wissenschaft am Ende doch die Natur – oder das Schicksal – das letzte Wort hat.
Wenn man heute über die Bedeutung solcher Filme spricht, geht es oft um die Frage der Originalität. In einer Zeit der Remakes und Sequels wirkt ein so eigenwilliger Ansatz fast schon revolutionär. Man spürt das Herzblut der Beteiligten, die Lust am Monströsen und die Freude daran, das Publikum mit Bildern zu konfrontieren, die es so schnell nicht vergessen wird. Es ist ein Kino der Attraktionen, das gleichzeitig eine tiefe menschliche Wahrheit über Akzeptanz und Selbstbestimmung erzählt.
Die emotionale Kernfrage bleibt: Kann man gut sein, wenn man aus dem Bösen geboren wurde? Diese Frage wird nicht theoretisch abgehandelt, sondern in der Hitze des Gefechts, im Angesicht des Untergangs. Der Held entscheidet sich nicht für das Gute, weil es einfach ist, sondern weil er die Konsequenzen des Bösen am eigenen Leib erfahren hat. Es ist eine moralische Reife, die durch Schmerz und Verlust erkauft wurde. Das macht ihn zu einer der tragischsten und gleichzeitig inspirierendsten Figuren der modernen Popkultur.
In den dunklen Hallen der Kinogeschichte wird dieses Kapitel immer einen besonderen Platz einnehmen. Nicht als das erfolgreichste, aber vielleicht als eines der ehrlichsten. Es ist ein Denkmal für die Außenseiter, für diejenigen, die nicht ins Schema passen und die trotzdem – oder gerade deshalb – bereit sind, alles zu opfern, um das zu schützen, was ihnen wichtig ist. Die Welt braucht keine perfekten Helden; sie braucht jemanden, der bereit ist, in den Abgrund zu blicken und nicht wegzusehen, wenn der Abgrund zurückstarrt.
Am Ende bleibt ein Bild im Gedächtnis: Ein roter Mann, der im Regen steht, das Schwert in der Hand, die Hörner abgebrochen. Er sieht nicht aus wie ein Sieger. Er sieht aus wie jemand, der gerade einen langen Arbeitstag hinter sich hat und weiß, dass der nächste noch härter wird. Es ist dieser bodenständige Heroismus, der uns mit ihm verbindet. Wir haben keine Steinhand, und wir kämpfen nicht gegen Hexenköniginnen, aber wir alle kennen das Gefühl, gegen Erwartungen ankämpfen zu müssen, die sich wie Blei anfühlen.
Der Wind weht durch die Ruinen der Kathedrale, und die Stille kehrt langsam zurück, während die Schatten der Vergangenheit in den Boden einsickern. Manchmal ist der lauteste Schrei nicht der des Sieges, sondern das leise Ausatmen eines Mannes, der endlich seinen eigenen Weg gewählt hat, ungeachtet dessen, was in den Sternen oder in alten Büchern geschrieben steht. Das Schicksal ist kein Käfig, sondern ein Vorschlag, den man mit genügend Willenskraft – und vielleicht ein wenig Hilfe von Freunden – einfach ablehnen kann.
Er legte die schwere Hand auf die kalte Mauer, spürte die Struktur des Steins unter seinen Fingern und wusste, dass die Nacht noch nicht vorbei war, aber dass er zum ersten Mal seit langer Zeit keine Angst mehr vor dem hatte, was kommen mochte.
