Der Geruch von brennendem Kiefernholz mischte sich mit der salzigen Brise der Hebriden, während die untergehende Sonne die Klippen von Summerisle in ein unheimliches Orange tauchte. Christopher Lee stand dort, hochgewachsen und in ein wallendes Gewand gehüllt, das Haar vom Wind zerzaust, und blickte auf die Bucht hinunter. Es war kein gewöhnlicher Filmdreh in den kühlen Oktobertagen des Jahres 1972. Die Statisten, echte Bewohner der schottischen Küstenorte, fröstelten in ihren dünnen Kostümen, während sie Masken aus Tierköpfen trugen. In diesem Moment, fernab von den glitzernden Studios in London, entstand etwas, das weit über das Horrorkino hinausging. Es war die Geburt einer Legende, die wir heute als the wicker man 1973 film kennen, ein Werk, das die Grenzen zwischen Folklore, religiösem Wahn und dem nackten Grauen des Unausweichlichen verwischte.
Was diesen Film so nachhaltig verstörend macht, ist nicht das Blut – von dem es kaum etwas zu sehen gibt –, sondern die fröhliche Unerbittlichkeit einer Gemeinschaft, die sich einem vollkommen anderen Wertesystem verschrieben hat. Wir begleiten den Polizisten Neil Howie, einen gläubigen Christen und Mann des Gesetzes, auf eine Insel, die ihre eigenen Regeln aufgestellt hat. Er sucht ein verschwundenes Mädchen, doch was er findet, ist eine Gesellschaft, die das Lachen nicht verlernt hat, während sie den Tod vorbereitet. Es ist der Zusammenstoß zweier Welten, die beide auf festem Glauben fußen, doch nur eine davon wird am Ende des Tages noch stehen.
Die Produktion war von Anfang an von einer seltsamen Energie besessen. Anthony Shaffer, der Drehbuchautor, und der Regisseur Robin Hardy wollten den gängigen Klischees des Hammer-Horrors entfliehen. Keine Vampire, keine bröckelnden Schlösser, keine im Nebel lauernden Monster. Das Grauen sollte im hellen Tageslicht stattfinden, untermalt von fröhlichen Volksliedern und Kinderspielen. Sie recherchierten tief in den Riten des alten Britanniens, lasen Frazer’s „The Golden Bough“ und suchten nach den Überresten jener heidnischen Bräuche, die unter der dünnen Decke der Zivilisation noch immer atmeten.
Christopher Lee, der damals bereits eine Ikone war, sah in der Rolle des Lord Summerisle die Chance seines Lebens. Er war so überzeugt von der Qualität des Stoffes, dass er auf seine Gage verzichtete, nur um sicherzustellen, dass das Projekt realisiert werden konnte. Er spürte, dass diese Erzählung einen Nerv treffen würde, der tief in der menschlichen Psyche verankert ist: die Angst vor der Gruppe, die absolute Gewissheit des Fanatikers und die Ohnmacht des Individuums gegenüber einer kollektiven Wahnvorstellung.
Die Anatomie des Opfers in the wicker man 1973 film
Wenn man heute die Bilder betrachtet, fällt die zeitlose Qualität der Ästhetik auf. Die Farben sind gesättigt, fast schon zu lebendig für eine Geschichte über das Sterben. Als Howie durch die Gassen des Inseldorfes streift, begegnet er Menschen, die keine Angst vor ihm haben. Sie verspotten ihn nicht einmal bösartig; sie bemitleiden ihn eher für seine moralische Enge. Es ist diese Umkehrung der Machtverhältnisse, die das Publikum bis heute fasziniert. Der Zuschauer identifiziert sich mit dem rationalen Ermittler, nur um festzustellen, dass Rationalität auf Summerisle eine Währung ohne Wert ist.
Die Musik spielt dabei eine zentrale Rolle. Paul Giovanni komponierte einen Soundtrack, der eher an ein Hippie-Folk-Festival erinnert als an die orchestrale Wucht klassischer Thriller. Die Lieder handeln von Fruchtbarkeit, vom Werden und Vergehen, von der Verbindung des Menschen mit der Erde. In einer besonders denkwürdigen Sequenz tanzt die Wirtstochter nackt in ihrem Zimmer und singt ein sehnsüchtiges Lied, während Howie auf der anderen Seite der Wand verzweifelt gegen seine eigenen Begierden ankämpft. Hier zeigt sich die ganze Grausamkeit der Inselbewohner: Sie nutzen die Menschlichkeit ihres Opfers gegen es selbst.
In Deutschland, einem Land mit einer tiefen, oft problematischen Verbindung zur eigenen Waldmythologie und Romantik, hallt dieses Motiv besonders stark nach. Die Vorstellung, dass hinter der Ordnung des modernen Staates alte, dunkle Kräfte in den Wäldern oder auf abgelegenen Inseln überdauert haben, ist ein fester Bestandteil der europäischen Erzähltradition. Wir sehen in der Geschichte von Summerisle eine Spiegelung unserer eigenen Ängste vor dem Kontrollverlust und der Rückkehr in eine Zeit, in der das Überleben der Ernte wichtiger war als das Leben eines Einzelnen.
Der hohle Riese als Symbol des Unausweichlichen
Das Herzstück der Erzählung ist natürlich die gewaltige Konstruktion aus Weidenruten, die am Ende über der Bucht aufragt. Sie ist kein Monster, sie ist ein Werkzeug. Der Bau dieser Requisite war eine logistische Meisterleistung und ein Albtraum zugleich. Die Schauspieler mussten in der Kälte ausharren, während der Wind an der instabilen Struktur rüttelte. Edward Woodward, der den Sergeant Howie spielte, erinnerte sich später daran, wie die Angst in seinen Augen während der Schlussszene kaum geschauspielert war. Die Hitze des echten Feuers, das Geschrei der Tiere und die ohrenbetäubenden Gesänge der Menge schufen eine Atmosphäre, die die Grenze zwischen Fiktion und Realität gefährlich dünn werden ließ.
Man darf nicht vergessen, unter welchen politischen Vorzeichen dieser Film entstand. Die frühen Siebzigerjahre waren geprägt vom Scheitern der Flower-Power-Bewegung. Der Traum von einer friedlichen Rückkehr zur Natur war vielerorts in Sektenwesen oder Gewalt umgeschlagen. Die Insel Summerisle ist in gewisser Weise eine Perversion des arkadischen Ideals. Sie zeigt, was passiert, wenn die Befreiung von gesellschaftlichen Zwängen in eine neue, noch absolutere Tyrannei führt – die Tyrannei des Glaubens an das Blutopfer.
Die Geschichte der Veröffentlichung des Werks ist fast so tragisch wie sein Inhalt. Das Studio, das den Film produzierte, geriet in finanzielle Schwierigkeiten und wurde übernommen. Die neuen Bosse verstanden nicht, was sie da vor sich hatten. Sie hielten das Werk für unverkäuflich und ließen es radikal kürzen. Gerüchten zufolge landeten die Originalnegative sogar als Füllmaterial unter einer Autobahn. Es dauerte Jahrzehnte, bis rekonstruierte Fassungen das volle Ausmaß des Meisterwerks wieder sichtbar machten. Doch gerade diese Zerstückelung und die Suche nach den verlorenen Szenen verliehen the wicker man 1973 film einen fast religiösen Kultstatus.
Es ist die Geschichte eines Mannes, der glaubt, das Gesetz zu bringen, und feststellen muss, dass er nur die Hauptrolle in einem sorgfältig inszenierten Theaterstück spielt. Jeder Schritt, den Howie auf der Insel unternimmt, jede Befragung, jede Entdeckung wurde von Lord Summerisle und seinen Untertanen geplant. Er ist nicht der Jäger; er ist das Wild, das langsam in die Falle getrieben wird. Diese Erkenntnis, die sich langsam wie kalter Schweiß auf der Haut ausbreitet, macht die emotionale Wucht der Erzählung aus.
Wenn wir heute auf diese Bilder blicken, sehen wir mehr als nur ein Relikt der Filmgeschichte. Wir sehen eine Warnung vor der Eigendynamik geschlossener Systeme. Die Bewohner von Summerisle sind keine klassischen Bösewichte. Sie handeln aus Liebe zu ihrem Land, aus Sorge um ihre Zukunft. Das macht sie so gefährlich. Sie sind bereit, das Unvorstellbare zu tun, weil sie davon überzeugt sind, dass es notwendig ist. In einer Zeit, in der Polarisierung und ideologische Gräben unsere eigene Gesellschaft prägen, wirkt dieses Motiv erschreckend aktuell.
Die letzte Einstellung des Films bleibt im Gedächtnis haften. Die Sonne versinkt im Meer, während die hölzerne Gestalt in Flammen aufgeht. Die Kamera zeigt die Gesichter der Inselbewohner – Kinder, Alte, junge Paare –, die gemeinsam singen. Sie wirken glücklich. Sie sind eins mit sich und ihrer Welt. Währenddessen schreit der Mann im Inneren der Statue seinen Gott an, bis seine Stimme im Knistern des Feuers und im Chor der Menge untergeht. Es gibt keine Rettung in letzter Sekunde. Es gibt keine Gerechtigkeit, wie wir sie verstehen. Nur den ewigen Kreislauf von Saat und Ernte, Leben und Tod.
Das Ende hinterlässt den Zuschauer mit einer tiefen Unruhe. Man möchte wegsehen, doch die Schönheit der Inszenierung zwingt einen zum Bleiben. Es ist die Faszination des Abgrunds, die uns seit über fünfzig Jahren immer wieder zurück auf diese Insel zieht. Wir fragen uns insgeheim: Was würden wir opfern, wenn wir glaubten, dadurch unsere Welt retten zu können? Wo endet der Glaube und wo beginnt der Wahnsinn? Diese Fragen werden nie beantwortet, sie verhallen in der salzigen Luft der Hebriden.
Am Ende bleibt nur die Stille nach dem großen Feuer. Der Rauch verzieht sich, und die Wellen schlagen weiterhin gegen die Klippen von Summerisle, als wäre nichts geschehen. Die Natur ist gleichgültig gegenüber dem Schicksal des Einzelnen, und vielleicht ist das die grausamste Erkenntnis von allen. Wenn die Abspannmusik einsetzt, spürt man das Gewicht der hölzernen Struktur noch immer auf der Brust, ein Echo eines fernen, heidnischen Rhythmus, der in uns allen schlummert.
Die Sonne ist nun endgültig hinter dem Horizont verschwunden, und die Asche tanzt wie schwarzer Schnee im Wind.
